FICCIONES DEL EXTRARRADIO

EL GUIÓN DE LA PELÍCULA

2010-06-21T15:34:00.000-07:00

Eu matei o meu cabalo

En un oscuro rincón de piedra de la Rúa de Calderería se encuentran los restos de la trigésimo cuarta página del guión cinematográfico de una película que jamás se terminó. Nadie sabe su título, ni tan solo su autor. La página contiene en sus márgenes borrosas anotaciones en gallego hechas con lápiz, esbozos sobre posibilidades de planificación de los diálogos y las acciones que confeccionan la escena. A continuación se adjunta el contenido de los restos de la página del guión.

ESCENA 16: INT. DIA – BAR DEL HOTEL

Ernesto se encuentra en en el bar del hotel sentado en un sofá rojo. El camarero le trae un whisky con hielo.

ERNESTO

(nervioso) Cárguelo a la 405.

ESCENA 17: INT. NOCHE – HABITACIÓN DEL HOTEL

Ernesto abre la puerta. Agotado, se deja caer en la cama. Mira hacia la ventana. Afuera está anocheciendo. Suena el teléfono.

Aquí termina el texto en la página. Una de las anotaciones al pie dice “Nesta foto vemos unha cidade de tellados vermellos”, lo que nos hace pensar que el director quería un plano general de las azoteas de la ciudad. El idioma usado para la nota presupone que el realizador, a diferencia del guionista, era gallego. El significado de la nota advierte, a su vez, que este hombre viviría en la ciudad de Santiago de Compostela, pues era conocedor de la panorámica compuesta por tejados rojos que se observa desde cualquier ventana suficientemente alta en el casco monumental.

A partir de estas presunciones, y de un modo insultantemente posmoderno, el hombre que encuentra la página en un rincón de piedra de la Rúa de la Calderería inventa la sinopsis de la película olvidada que jamás se terminó:

Después de recibir una llamada, Ernesto vuela a Santiago de Compostela para asistir a la lectura del testamento de su recién fallecido abuelo. Todos los bienes que su abuelo (un hombre hecho a si mismo, que le contaba a Ernesto-niño historias sobre mitología gallega que finalmente acababan por convertirse en recetas culinarias) le dejó cabían en un sobre. El sobre contenía diez objetos mágicos que confeccionan un rompecabezas que Ernesto debe descifrar para evitar una catástrofe que tendrá lugar la noche del 25 de Julio pero luego vemos que el sobre es tan solo un McGuffin, una distracción, un memez, y lo que parece comenzar como un thriller evangélico pronto se convierte en cine negro, justo cuando Ernesto, después de unas cremas de orujo y cruzando la Puerta Santa de la catedral, es testigo de un asesinato. Angustiado, vuelve a su hotel. Toma un whisky en el bar y sube a su habitación a mirar los tejados. Luego recibe la llamada de una misteriosa mujer, una suerte de femme fatale que fuma cigarros mentolados y que más tarde le da las claves para que Ernesto aprenda a moverse en el mundo de corrupción y terror que es el casco viejo, una arquitectura que funciona como metáfora del deseo que absorbe el espíritu humano del protagonista, que acabará, al igual que la trigésimo cuarta página del guión del que forma parte, destripado y devorado por un oscuro rincón de piedra de la Rúa de Calderería.

LA ÚLTIMA NOCHE

2010-04-20T16:40:00.000-07:00

En la ciudad islandesa de nombre impronunciable la gente se va de fiesta mientras el mundo se acaba. La ceniza está en el cielo, los colegios cierran y la lluvia ácida corroe las viviendas de madera. Pero nadie se asusta. Tranquilamente, los habitantes autóctonos vacían las estanterias de los supermercados, los niños usan mascarillas mientras juegan en la calle y los estudiantes de intercambio fornican en las residencias mientras los diarios informan de una evacuación inminente. Y después de cenar, la gente se baja al centro a bailar las canciones, a pedir cervezas y chupitos y a fumar. La lava llegará en pocos minutos, dicen. Lentamente la isla se hunde bajo el agua por el deshielo provocado por la erupción pero la gente sigue bailando, los cuerpos frontándose unos con otros. El aeropuerto está vacío, no hay coches en las calles, nadie puede irse, pero la música está por todas partes. Marc, un español que vive aqui, recuerda de pronto el olor a humedad de la montaña de Vallvidrera mientras una chica islandesa le susurra al oído que la ceniza, como las personas, son partículas en suspensión.

HOW TO PLAY COVERS WITHOUT TRAINING

2010-04-14T16:23:00.000-07:00

Shit happens. Your friends make parties and sometimes you are forced to bring your guitar and “play songs”. Actually, whatever is called such as “concert”. What's a boy supposed to do? Corgan won't come with a solution but, take it easy! you are in the right blog. The following is a guide to play covers and fake that, although you are the worst guitarist ever, you still play songs.

Choose a shitty band. Eg: Foo Fighters, Oasis, Bryan Adams, Blur.
Choose a song: try to choose something simple: 4 chords & chorus.
Search the lyrics on google.
Try to sing. Probably you won't be able. In this case, change the tune of your voice. Make it lower and lower but not so much (it could became ridiculous).
Train each song 2 times 30 minutes before the party.
Tell jokes in-between to distract the audience/to hide the mistakes.
After the 5^th song people is going to be annoyed. Keep the guitar in your car and return to the party as a fake-rockstar.
Don't repeat it again. Thence, the 2^nd time they will discover the truth.

LA DUQUESA DE SMIDJUSTIGUR (segunda parte de VAMPIROS)

2010-03-30T16:23:00.000-07:00

pero no quiero mundo ni sueño, voz divina, quiero mi libertad, mi amor humano en el rincón más oscuro de la brisa que nadie quiera

Federico GARCIA LORCA, Poeta en Nueva York

La relación artística entre Ferderico García Lorca y Salvador Dalí es particularmente interesante. Existe una teoría según la cual cierta iconografía de la obra pictórica de Dalí solo puede descifrarse a partir de anteriores bocetos e ilustraciones de su buen amigo granadino. Muy a su pesar el poeta nunca pudo pintar como Dalí, del mismo modo que este jamás pudo escribir como Lorca. Aunque no parezca importante, esas teorías arrojan luz sobre lo fundamentales que pueden llegar a ser las relaciones humanas a la hora de interpretar una obra.

Sentado en un banco del puente de Brooklyn leía al poeta en mi eReader. La ciudad de Nueva York fue la excusa de Lorca para hablar de si mismo, de su sufrimiento, de sus ansias de libertad y cosas que a mi me interesaban más bien poco. Yo tan solo quería encontrarla. Como Lorca, no había venido a Nueva York a describir la ciudad, y mi objetivo también podía resultar más o menos poético. A ella la conocí hace dos años en Nueva York. Más tarde, tratando de repensar ese encuentro, escribí un relato breve. En aquel entonces quería olvidarla, convertirla en un personaje de ficción. Intenté crear una nueva categoría de vampiro literario basado en la noche, el vicio y la succión de emociones, pero al final quedó en un cuento de vampiros a secas. El resultado dejaba bastante que desear. Lo titulé La Duquesa de Smiðjustígur. Sucedía en la capital de Islandia. Cuando lo terminé se lo enseñé a mi amigo de la compañía telefónica, que me preguntó si el relato estaba basado en una vivencia real. Le respondí dos cosas: Primero, que los vampiros no existen. Dos, que la historia, al igual que el lugar, el encuentro y la chica misma, no eran más que proyecciones de una parte de mi interior, que el relato hablaba más de mi que de ella y que, en el fondo, el personaje de la chica era una composición de varias mujeres, varias experiencias y varios demonios. Hoy se que mentí sobre las dos cosas.

Me topé con el archivo en mi eReader.

La duquesa de Smiðjustígur

A partir de las 10 de la noche, las posiciones en el pub de la calle Smiðjustígur coreografían lo que serán las siguientes ocho horas de juego, seducción y canibalismo. La luz de la luna entra por unas cristaleras, la gente se deja ver los colmillos, y todo el mundo comienza a beber. Ella me dijo que se llamaba Talismán. Yo sabía que no era su verdadero nombre, pero posiblemente fuera el único que ella misma se había adjudicado, por lo menos esa noche. Sería inútil que la describiera ya que con mucha probabilidad ella había elegido sus atributos (zapatos, perfume, tono del cabello y de los ojos, voz...) para que combinaran con el color de la sala y la disposición de la luna. La invité a una copa de vino. La segunda la compartimos. Fingíamos inocencia y timidez, una conversación con rumbo a ninguna parte que ambos sabíamos como iba a acabar. Los dos queríamos mordernos. Me preguntó mi edad. Le dije 24. La acompañé al baño. Dentro me mordió la oreja. Yo llevaba tres días sin comer, así que no pude alimentarla. Creo que mi falso entusiasmo la confundió, denoté en mi ser demasiada humanidad. Eso la ofendió. Quiso salir del baño pero ya era tarde. Le había rajado el cuello con los incisivos. Empezó a reír. Se acercó de nuevo a mi oreja y recitó un pasaje en francés del libreto de Les Troyens de Berlioz. Luego se esfumó por debajo de la puerta. Volví a la sala pero ella ya no estaba. Aunque era pronto y no empezaba a amanecer decidí irme a casa. Ahí me puse el pijama, me arropé con una manta y releí un libro de David Markson en el que el narrador hablaba sobre Berlioz. Al rato advertí que la página 15 tenía una mancha de sangre. Mis dedos aún tenían su rastro. La mancha, que aún a día de hoy existe (porque un libro no puede lavarse), tenía la misma forma de media luna que el contorno que ella, la chica del pub de la calle Smiðjustígur, había dispuesto en sus ojos la noche en que había decidido devolverme la condición humana.

Sin apenas darme cuenta, había estado durante catorce horas sentado en un banco del puente de Brooklyn. Estaba helado. Decidí volver al hotel. André Breton dijo que para que un encuentro tenga lugar solo hacen falta dos personas y una calle. Dejando atrás el puente y llegando al City Hall Park descubrí algo tan sencillo, estúpido y tópico como que si quería encontrarla debía dejar de buscar.

En Nueva York hay dos tipos de personas. Los que, detenidos, intentan mirar fijamente perdiéndose en un caos semiótico y los que caminan mirando al suelo.

Fin de la segunda parte

VAMPIROS

2010-03-24T19:39:00.000-07:00

New York was an inexhaustible space, a labyrinth of endless steps, and no matter how far he walked, no matter how well he came to know its neighborhoods and streets, it always left him with the feeling of being lost. Lost, not only in the city, but within himself as well.

Apagué mi eReader cuando la azafata me indicó que íbamos a tomar tierra. Claramente Paul Auster utiliza la cuadrícula de Manhattan como metáfora del espacio interior de un escritor atormentado por su pasado. Ya había leído anteriormente Ciudad de cristal, y ya había tomado tierra otras veces en Nueva York. Por una parte, ese espíritu nihilista y desesperanzador que rodea a los narradores de Auster me aborrecía, me resultaba, como decirlo, de otra época. Sabía que se trataba de una obra de los 80, y eso estaba muy de moda entonces, pero aún día de hoy esa actitud seguía vigente en sus novelas. Por otra parte, Manhattan no me parecía un lugar ideal para perderse, ni en la calle ni en uno mismo. Hay que disponer, eso si, de un mapa. Oí una vez que Nueva York tiene un alto índice de suicidios de gente extranjera. Compran un billete y van a morir a la Gran Manzana. Muy Auster. Pero ese no era mi caso. No podría serlo de ninguna manera.

Al igual que su protagonista, mi historia comenzó con un número equivocado. Aunque la llamada la hice yo, y nadie contestó. Ni tan solo sonó el tono. Gracias a un amigo que trabaja en la compañía telefónica supe que el número de teléfono ya no correspondía a ningún cliente, que ella lo había dado de baja y que había contratado una nueva tarifa con un operador local de la ciudad de Nueva York. Esa misma noche compré un billete.

Llegué a la ciudad el 8 de Marzo de 2010 con el propósito de evitar lo inevitable, en busca de un atisbo de vida en una ciudad en la que la mayoría de sus huéspedes, los que la manejan me refiero, ya estaban muertos. Nueva York es un bonito lugar para ir a morir, pero algo peligrosa si no se desea. Si por el contrario estas muerto, no lograrás salir jamás de ahí. Subí a un taxi en el JFK. Tomamos la autopista de Long Island y entramos en el Queens Midtown Tunnel en dirección a Manhattan. El taxista era un hombre de origen venezolano que me hablaba en español y me llamaba “amigo”. Pensé en matarle. Luego recordé que los túneles en Nueva York tienen centenares de cámaras de video-vigilancia y policías en las salidas de emergencia, y no quería matar a ningún policía. No era una buena idea. Manhanttan olía a azufre. Esta vez me alojé en el Hilton, que a diferencia de otros lugares en los que había estado en mis visitas anteriores no tenía ratones en la habitación. Dejé las maletas, compré un kebab en la 52th con la Séptima, y empecé mi búsqueda.

La había conocido en el Soho, una tarde de lluvia que estropeó unos zapatos que aún huelen a sudor y humedad. Me dirigí al Smalls, un garito de jazz de la 10th 183W en el que hacen pagar a los turistas. Tocaba un cuarteto de Brooklyn formado por un batería, un saxo, un piano y un contrabajo. Se habían conocido esa misma noche pero se llevaban muy bien. Ella no estaba ahí, y si estaba, no la reconocí. Solía cambiar de forma de una manera demoníaca. A veces era tímida y ni se quitaba el abrigo, otras lucía un vestido rojo y podía seducir a cualquier persona de la sala. Eso siempre me aterrorizó: el modo en el que podía controlar su presencia magnética, una Femme Fatale posmoderna, ausente pero maquiavélica. Allí dónde estuviera siempre era la mujer más bella del local, y eso me incomodaba. Tomé un café en un Starbuck's de Union Square y noté por sus rostros que ella había estado allí. Me estaba acercando. Empezaba a amanecer así que me fui al hotel.

La noche siguiente compré una entrada para un concierto en el Fillmore de Irving Plaza. Sabía que frecuentaba ese lugar, y esa noche actuaba un grupo que ambos conocíamos, no digo que a ella le gustara, pero había el tipo de público cuyas almas le gustaba sorber. Subí al segundo piso para tener una vista general pero la gente parecía disfrutar del evento, lo cual significaba que ella no estaba ahí. Decidí coger el metro hasta Brooklyn y tomar un paseo por el puente. Podía olerla. En los bancos, en la piedra, en los cables, en la madera, en su estilo gótico, en sus 1834 metros de longitud. Alguien había escrito su nombre en un candado y lo había clavado junto a un poste. Una vez de nuevo en Manhattan me di cuenta de que tanto ella como el tormento de mi vida pasada habían construido esa ciudad de las luces que estaba dentro de mi. Ya estaba muerto y jamás saldría de Nueva York. Solo me quedaba una cosa por hacer. Encender de nuevo de eReader. Tal vez allí conseguiría encontrarla.

Final de la primera parte

TU ISLA INTERIOR

2010-02-23T10:52:00.000-08:00

La première image dont il m'a parlé,

c'est celle de trois enfants sur une route,

en Islande,

en 1965

En ocasiones la vida te concede irónicos ready-mades, pesadillas del deseo que, de un modo espiral, te absorben como un Maelstrom del que ni la razón del marinero ni el brebaje del autor te permiten escapar. En la literatura, esos fantasmas adoptan muchas veces la forma del miedo y la curiosidad: una visita a la casa del monstruo, un contrato en el salón junto al fuego. En Islandia esos demonios adoptan la forma del juego. Conoces a una chica en un pub. No hablas con ella. Dejas que ella juegue contigo, que te bese, que huya, que te olvide, que vuelva. La sigues por las calles de la ciudad y comprendes que ella es tu demonio y tu eres su juego. Desaparece. Te despiertas sin recordar si la noche anterior vendiste tu alma. Corres en la cinta del gimnasio y comprendes que eres la viva imagen de los caminos de bosque, senderos que no te llevan a ninguna parte, que sólo sirven para pensar. Tu ready-made. Frente a ti una cristalera con vistas. Curiosamente enfocada hacia el Sur. Y una idea. Que ese juego demoníaco se encuentra en todas partes. Detonante_ Un supuesto fin de semana esquiando en el Norte/ Primer punto de giro_ Pistas cerradas y viento huracanado/ Segundo punto de giro_ Carretera helada, posibilidad de accidente y parada en pueblo fantasma/ Clímax final_ Motor jodido. Ataque de zombis vikingos/ Desenlace_ Vuelta a casa/ Reseña_ A veces la vida adopta la forma del terror narrativo. En tu viaje de vuelta en coche viste un fantasma entre el viento y la nieve. Luego comprendiste que no se encontraba afuera. Era tu reflejo en el parabrisas. Olvidaste enfocar tu retina. El camino era hacia el Sur. Tus demonios en el pub en la cinta en la nieve.., luego descubres que ellos son transculturales. Ya lo sabías: que se encuentran en todas partes, que esto no es porque te fuiste. Que no son demonios vikingos. Son tus demonios. Aqui y allí. Un paisaje que te recuerda a Rothko, un sol tímido, una fiesta en casa de un conocido a la que llegas y te quitan el reloj. Jamás terminará. Chris Marker encontró en Islandia la imagen de la felicidad. Jamás supo explicarla. Tu en cambio vas para descubrir que esos demonios se encontraban dentro de ti.

EL MEU AVI

2010-01-30T07:13:00.000-08:00

A mig camí entre el documental experimental i el video amateur, la pel·lícula Constrasts, que Klaas de Vries i jo vam gravar a Reykiavik i a les Westman Islands el Novembre del 2009 dibuixa la relació entre la societat islandesa, la cultura de masses i les possibilitats de la imatge documental. Amb una narrativa purament intuitiva, aquest migmetratge s'erigeix com una obra en marxa de la qual han sorgit una infinitat de versions finals. Constrasts va ser, possiblement, la última pel·lícula que va veure el meu avi abans de morir.

El meu avi Miquel era un vodeoaficionat. Va començar la seva carrera com a cineasta amateur amb Extraña Transformación. La pel·lícula, gravada a Castelldefels en format de 8mm, és un curtmetratge de gènere, una versió lliure del mite de Jeckyll i Hyde, una història d'alquímia, amor i violència. Extraña transformación finalitza amb un pla general d'un ball seguit d'una porta de jardí que es tanca, la meva imatge preferida del curt. El meu avi sempre va preferir els plans generals als plans curts i així m'ho va fer saber després de veure la meva pel·lícula, en la qual prevalen els primers plans, els seguiments i els plans de detall. La seva pel·lícula acaba amb una porta que es tanca, la meva pel·lícula acaba amb un pla general d'un capvespre a Reykiavik en el que un avió s'enlaira. M'agrada pensar que és la imatge preferida del meu avi, el seu pla general, així com la meva és la imatge de la porta. L'avió és una invitació a conèixer una societat hermètica a la que ni jo mateix he accedit, i Contrasts es el testimoni d'allò que no he sabut representar; la seva és la imatge d'un tancament, la meva, la d'una obertura. Dues imatges oposades, com segurament ho erem jo i el meu avi en molts aspectes. Però ens unia el cinema, la imatge viva d'una memòria que és eterna.

Contrasts està dedicada a la memòria del meu avi

Death, tradition and westernization in 'Departures'

2009-10-31T06:32:00.000-07:00

After the dissolution of the orchestra in which he works as a cellist, Daigo Kobayashi decides to return to the town where he grew up with his wife, establish him in his late mother's house, and starts to work in a funeral parlor. Just as in Hiroshi Shimizu's films the space of retreat is a rural place, in Departures there is a suburban space, where the characters are geographically rural inhabitants, but urban people in terms of semiotics: Daigo's wife, Mika, works as a web designer, a really urban and modern job but, actually able to be done anywhere, and in general all the country characters enjoy the amenities of the urban life. Some shots of the house show a traditional Japanese architecture combined with modern stuff as, for example, a big plasma TV or computers. On the other, the dissolution of the orchestra and therefore the failure of Daigo as a musician is the cause of his return, we will see, to his childhood and past memories. Takita, as well as Shimizu, shows the arrival to the rural place as a changing time: in the case of Shimizu the country represents a place of rest and recuperation; in Departures, the country is a symbol of the Daigo's decision of a new life.

The path of the character

The return to the town of his childhood could be understood as an introspective trip within himself. A remarkable example is the scene after Daigo has returned to the house and find the small violoncello that he used to play when he was a little boy. The image of that object represents the struggle of the character with his own past. We can find an oxymoron in the path of Daigo: the cello represents an spiritual trip to his own birth, to his boyhood, while the Nokanshi (the Japanese processing of the death) that he use to make is an spiritual trip toward the death of his father. Just as the scenes in which Nanmura performs his walking exercises as a proof of his bodily recuperation and Emi's growing emotional attachment to him (Jacoby, 2007, p 71), the Nokalshi represents the Daigo's proof to face to the death and to his new life. Finally, the shots of Daigo playing the small cello in the midst of fields are a symbolical image of his spiritual health, an image of the meeting with the past and with himself.
We can read in Departures a constant contrast between tradition and modernity. The job of the main character involve in the ritual of Nokanshi, while the job of his wife is radically different, moderner (web designer). Tradition and modernity coexist in the same place, in a family unit that moreover reflect the modern japanese structure. In Ornamental Hairpin (1941) Shimizu used the retreat of the country to show a special community unlike familiar structure in the cities, on 1941. In the both of them, there is a purpose of show a view toward a modern structure of the people: a modern community without private space in Ornamental Hairpin (Jacoby, 2007, pp 69), a young modern family without children in Departures.

Death as a metaphor of life

The theme of the death is a fundamental axis of the film and, as we will see, it appears like something incidental, but finally it plays a quite important role within the process of spiritual health of the character. The film use a funny way as a technique to calm down the horrific theme of the death: the first scene, in which Daigo recognize the penis of a transsexual dead woman during a Nokalshi, the filming of the video of a Nokalshi tutorial in which the main character is used as a model, resulting of it a funny and awkward situation, or the scene of the stinking corpse are some examples of how the theme of the death is tackled on the film. In a sense, Departures is a japanese version of Six Feet Under, the american TV Show by Alan Ball, in which along five seasons, the theme of the death is shown as a vital axis of the story of a family who owns a funeral parlor, tackling the death with a similar tragicomic tone.
The death has several meanings on the film: in one hand, the death is shown as a biological fact on the human life. In the other hand, the death is discussed as a period of spiritual transition in the life of Daigo, whose we see the death of his time in Tokyo and the beginning of his new country life. The death, not just as a final, but as a new start, something that we just understand linking it with the japanese processing of the death: the Nokanshi represents a spiritual health of body and soul, a ritual of mediation in which the dead person is able to access to afterlife. Just as the Nokanshi, the changes in Daigo's life represent a bridge to the new life on country.
The last stage of Daigo's spiritual health process is the confrontation with his father's death. During the film we just listen Daigo hating his father because of his abandonment. The death of his father is necessary to the meeting between father and son. Daigo carry out the Nokanshi of his father but, at first, he doesn't recognize him. The Nokanshi means that that the alive ones left to the dead ones, it this case, the acknowledgment of Daigo identifying his own father. In terms of film language, this acknowledgment has three stages: first, the flashbacks in which appears a little Daigo playing the cello with the father and showing themselves their feelings with stones; then, the emotional identification of his father as such, shown it through an out of focus shot that ends getting the shape of a close up of the father (a metaphor of the emotional identification). And last, the final crying of Daigo, who says “dad”. The death, not as a final, but as a proof of the link between Daigo and his father, and Daigo and his memories.

Opening to Western

It's not a banal thing that Departures has been the prizewinner of the Oscar to the foreign movie in the last Academy Awards, because it shows a tendency of the movie towards the westernization. I mean that Departures tries to sell itself, as a product, to the western society. We are just able to understand it if we pay attention to the way how the movie is made, within the field of the narrative and within the field of mise-en-scene and editing. We can establish a link between the narrative elements about the modernization (familiar unit structure, wife's job, etc.) and the tendency to create a mise-en-scene and editing easily understood by the western public. At first, we listen a soundtrack that remind us other american soundtracks of, for example, Michael Nyman, establish it in Departures through a quite western musical design, with melodies increasing dramatic situations and sequences (Daigo playing the cello in the midst of the fields, combined through the editing with different scenes of the character carrying out the Nokanshi) in which the music plays an important role. In the scene of the recital, Daigo and the other members of the orchestra are performing a piece of Johan Sebastian Bach (a famous western melody). As much in musical design as in reference to Bach, the both of these elements shows the tendency of the film to play with some questions that the western public recognize easily.
Departures is an example to understand how a film that tickle about the theme of the death from a quiet japanese perspective is able to open up itself to the western public using western techniques, in order to be sold within the international market. Another example of how is possible to show to the world the japanese society with an easy and accessible film language.

JACOBY, Alexander, «Country retreat. Shimizu Hiroshi's Ornamental Hairpin», pp 63-77, in PHILLIPS Alastair et. al, Japanese Cinema: texts and contexts. London: Routledge, 2007

DICTAT

2009-10-20T09:41:00.001-07:00

Que vaig fer ahir¹

El meu cosí que va al cole a Islàndia m'ha portat a uns concerts. Jo volia anar al cine a veure Up, però ell m'ha dit que allà les pelis estan en anglés i que seria una mica rollo per mi. Primer hem anat a veure un grup que es diu Reykjavík! i a mi m'han fet una mica de por perquè hi havia un senyor nerviós cantant que es tirava des de l'escenari i ens podía fer mal, però el meu cosí m'ha dit que aquell senyor era tonto i que això només ho feia perquè li agradava jugar². Després ha tocat Juvelen pero se sentía tot una mica raro i la gent ballava molt. Li he dit al meu cosí que el cantant cantava com una noia i ell s'ha rigut.³ Kimono m'ha agradat molt però el meu cosí estava una mica distret parlant amb una de les seves nòvies i quan li he preguntat si a ell li havien agradat m'ha dit que no ho sabía, y després s'ha comprat el cd però jo no ho entenc, perquè si no sap si li ha agradat... Al final han tocat uns que no me'n recordo com es diuen⁴ i que eren moltes persones. Un dels senyors que tocava la guitarra com el meu cosí se li ha espatllat i s'ha enfadat una mica amb el noi dels cables. Lights on the Highway i Dijta m'han agradat molt perquè son grups normals. La Cristine Owman és una noia que canta i fa sonar amb la boca un piano de joguina⁵ com el Pèsol Feréstec, a més li posen pel·lícules de fons i això és divertit. Després hem vist Kidcrash però cridaven molt i jo he plorat i hem marxat a casa⁶. Kings of Convenience han tocat en una esglèsia molt petita. Al meu cosí no li agraden però s'ho ha passat bé. Ningú feia soroll i jo m'he tirat un rot sense voler i tothom s'ha rigut però el meu cosí s'ha enfadat amb mi. El concert ha sigut molt maco.⁷ Després hem anat a veure al James Yuill que al meu cosí li agrada molt i diu que ha sigut el millor i el que més li ha agradat. És un senyor amb ulleres i toca la guitarra i apreta botons que fan soroll. Cantava molt fuix i la gent ballava molt. Al final hem anat a un concert d'un grup amb un nom llarg però jo he vist res i ha sonat molt fort⁸ però eren guays. Jo tenía son així que hem anat a cap a casa. Estic molt cansat perquè hem anat a molts concerts i demà al matí li diré al meu cosí si podem anar a veure Up encara que parlin en anglès perquè tots els meus amics l'han vist menys jo.

1Reseña del Iceland Airwaves '09

2Como parte de su espectáculo, Reykjavík! piensan que tener un cantante que se lance al público hasta cuatro veces por concierto enfatizará su condición de grupo hardcore, pero lo único que consiguen es mostrarse terriblemente nerviosos por ser el grupo local elegido para telonear a Juvelen en el Airwaves, algo que hasta mi primo de 9 años ha notado.

3Efectivamente el líder de Juvelen es un Prince sueco del electro-pop que deleitó al público convirtiendo durante 40 minutos la sala Nasa en una nave space-funk a base de sintetizadores y LEDs. Nótese además en la frase “se sentia una mica raro” la conciencia de mi primo ante tal evento ya que, habiendo visionado conciertos de Passion Pit y MGMT en Barcelona, es conocedor de la dificultad técnica que supone sonorizar en directo el estilo del pop-prozac a base de guitarras, cajas de ritmos y tombs chungos.

4Se refiere a Sudden Weather Change, banda local indie bastante ruidosa que a mi parecer beben de Yoni Wolf y Sonic Youth.

5Se refiere a una melódica.

6Sin lugar a dudas Kidcrash ofreció en Sódóma una buena dosis de hardcore chillón no apta para oídos infantiles. Uno de los pocos grupos norteamericanos del festival. Concierto fresco y serio. Por lo menos la primera mitad que ví.

7La verdad es que no hay mejor adjetivo que “bonic” para describir un concierto de hora y media que debió ser bastante atípico dentro de la gira europea de Kings of Convenience. 400 asientos a la luz de una pocas velas, dos guitarras, dos micrófonos y un piano; el dúo noruego no necesitó nada más para ejecutar un anestésico espectáculo con un sonido impecable, aunque en algunos momentos eclipsado por la arrogancia y excesiva excentricidad de Erlend Øye.

8Alguien debería explicarle a mi primo de 9 años porque los grupos de post-rock suenas tan suaves en disco y tan tralleros en directo. Es como una suerte de ley no escrita, tal vez a fin de vender más discos sin defraudar a los fans del metal, ¿no? El comentario de mi primo “però jo no vaig veure res” no es gratuito, pues hace referencia a la iluminación de For a Minor Reflection, que mantenía prácticamente a oscuras a los miembros del grupo y les hacía florecer anicónicamente, que es como todo post-rockstar quiere sentirse en directo. Concierto sin micrófonos.

RIFF

2009-10-05T10:31:00.000-07:00

No sé si es porque los programadores del RIFF (Reykjavik International Film Festival) son fans de Hiroshi Shimizu, pero la gran mayoría de las películas proyectadas en el Festival de Cine de Reykjavík, que se celebra bianulamente en la capital, relatan historias que no solo suceden en ámbitos rurales o suburbanos, sino que desarrollan un vínculo entre el extrarradio -contexto- y la búsqueda de la sanación por parte de los personajes -texto-. Tal vez se trate de una tendencia islandesa de alejar la mirada del espectador de las grandes megápolis y mostrar la naturaleza como medicina espiritual, o tal vez se trate de una estrategia turística para atraer a la gente para que visite la isla indómita en tiempos de crisis. North narra una snow-road movie en la que un homérico personaje intenta vencer su depresión volviendo a casa a través de las blancas cordilleras noruegas, lugar muy parecido en el que los zombis nazis de Dead Snow deciden erigir su IV Reich. La película cumple el requisito indispensable de toda peli gore honesta: No plot, just blood, y con mucha gracia. Together y Dirty Mind suceden en dos pequeñas ciudades en las que los personajes solo abandonan su enfermizo mundo individual en bares y hospitales. Better Things, dramática, excesiva, que confunde la narrativa visual con lo visual sin narrativa, tiene lugar en un pueblo de Gran Bretaña y el vínculo entre el paisaje inglés y el estado de ánimo de los personajes es explícito. Koma, película austríaca, una muy mala versión de El video de Benny de Michael Haneke, pretende escrutar la dimensión moral de la depravación humana pero se queda en un superficial retrato de la familia disfuncional. Las inclasificables obras del noreamericano Cory McAbee, The American Astronaut y Stingray Sam (la segunda es un fallido remake de la primera), graciosas mezclas genéricas de western, musical y ciencia ficción, siguen la estructura del primer género nombrado y por ello suceden en un desértico extrarradio, en este caso espacial. Unmade beds es la película indie del festival, y como no podía ser de otro modo sucede en la ciudad (porque en el campo no hay pop ni éxtasis.) Un ejemplo más a sumar en la lista de bodrios made in Sundace como Thirteen o Waiting for a midnight kiss en la que los personajes no estudian ni trabajan pero piensan en off, que no tienen dinero para pagar el alquiler pero si entradas de conciertos y drogas, criaturas afligidas, sensiblonas, poetas que no escriben, perdidos en un mundo que no les corresponde pero que a ti, espectador corriente que tu vida es aburrida, tienen mucho que enseñarte. Y por último está Lourdes que, como su nombre indica, sucede en los Altos Pirineos. La última película de la austriaca Jessica Hausner, y mi favorita del festival, relata el viaje, más circense que espiritual, de un grupo de enfermos que visitan la gruta de la Virgen de Lourdes a manos de una hermandad católica, y toma como protagonista una mujer víctima de la esclerosis múltiple que, a diferencia del resto del grupo, no ha venido a buscar un milagro sino tan solo la posibilidad de viajar. La dimensión burocrática y administrativa del tratamiento moderno del milagro, el ansia del creyente por vivirlo en directo, y una visión negativa y fatalista de la experiencia de la salvación son los tres elementos que confluyen en una magnífica historia que finaliza con la genuina y esperpéntica escena de la 'entrega de premios al mejor milagro'. Una última cosa: en el Festival de Cine de Reykjavik puedes comprar palomitas, incluso si eres periodista. Y además puedes pagar con targeta. Todo un lujo.

¿QUÉ HACER EN REYKJAVÍK? TODO SOBRE LA CAPITAL ISLANDESA. IDEAS, ACTIVIDADES, EXCURSIONES. SIGUE LEYENDO:

2009-09-12T10:23:00.000-07:00

22:35. Hablo por Skype con un amigo al que hace un año que no veo. Voy a estar otro año sin verlo.

23:00 Bebo una Hollandia de 5º que he comprado en la ÚNICA tienda de alcohol de la ciudad.

00:05 Me dirijo hacia Laugavegur (la calle de los pubs) con gente de mi residencia. Una lituana que acaba de llegar me cuenta, extasiada, que tiene problemas con las convalidaciones de sus cursos. No entiendo absolutamente nada de lo que me dice.

00:15 Entro en el Hressingarskálinn (pub de moda recomendado por la Wallpaper* City Guide) justo cuando la banda del bar comienza a tocar la última canción, que resulta ser una versión de Killing in the name, de modo que toda la gente ebria, que es la gran mayoría, se vuelve loca. Me tiran una cerveza encima.

01:20 Suena esto*

01:35 Bailo con una afroamericana en la pista. No le gusto.

02:00 Observo, horrorizado, que todos los islandeses salen de fiesta con traje y zapatos.

02:38 Suena esto

02:50 Entro en el 11, que tiene forma de pub irlandés pero ponen música indie-pop.

02:51 Pido una Coca-cola en la barra que luego mezclo con whisky de una botella de Red Label de 50cl que me ha costado 3500 ISK (unos 19€) en la ÚNICA tienda de alcohol de la ciudad y que he entrado ilegalmente en el local.

04:01 Suena esto

04:30 Entro en el Barbara, un bar de ambiente bastante chulo, y hablo con un catalán cincuentón que primero me pregunta por la Diada y luego me dice que vivió aquí tres años y solo vió una Aurora Boreal.

05:11 Observo una paliza bastante chunga delante del 10-11 (24h), con rotura de nariz y salpicaduras de sangre en plan slow-motion.

05:30 De camino a la residencia, unos islandeses nos proponen a mi amiga y a mí un intercambio de parejas. Huimos.

05:44 Suena esto**

* El motivo de los links no es solo para ponerle banda sonora a tu lectura y crear con ello un efecto dramático, sino para que sepas cuales son las canciones que están de moda en Reykjavík y así veas que, en este sentido, no se diferencia de ninguna otra ciudad del mundo, porque los viernes por la noche son iguales aqui y en Bombay.

**Allt sem ég segi er satt

TEST SOBRE CULTURA ISLANDESA Y GRINDCORE

2009-09-01T12:49:00.001-07:00

Ya asentado en Reykiavik, el lunes por la tarde una buddy islandesa te dice de ir a un concierto. Al principio estás un poco asustado, ya que cuando le preguntas de que estilo de música se trata, ella te dice que ni idea, que ni tan solo sabe las bandas que tocan, pero que unas amigas suyas van ir y que, bueno, ella también. Tampoco tienes mucho que hacer un lunes a las 20:00, así que quedas con ella. El concierto consiste en un directo de seis bandas en un teatro del centro de la ciudad. Los grupos son Husband, una banda post-rock de chavales jóvenes que no tocan muy bien pero que parecen entender lo suficiente esa actitud contemplativa, estática y aburrida que hay que tener si quieres parecerte a Sigur Rós; Mikado, indie islandés con voz a lo Thom Yorke; Blincking Numbers, punki-poperos malotes patrocinador por Vans, versión islenska de Hoobastank pero más noise; h1jomsveitirnar, los Mister Bungle de la generación Son Goku, y por último Agent Fresco, bandaza de la noche, una suerte de El Agente Naranja pasado por un filtro math-core.* Como tu inglés es chungo y no te atreves a preguntarle a la buddy las condiciones del evento, ¿que crees que sucede con el tema de la entrada?

a) Sin tan solo dudarlo, pagas por lo menos 900 ISK, unos 5 euros, ya que son muchas bandas, es en un recinto cerrado y, claro está, la música se paga.

b) Desearías que no hubiera que pagar, así que si se da el caso, fuerzas un descuento con tu Erasmus Student Card o intentas colarte a lo ruin por la salida de emergencia.

c) Entras gratis y te sientas en la butaca más cercana al control del técnico de sonido para disfrutar de un sonido óptimo durante el espectáculo

Durante el concierto de los Blincking Numbers, disfrutas de una Carlsberg light de 2,25º que has entrado ilegalmente en el recinto. De pronto, y como si de un espectáculo de La Cubana se tratara, un homeless ebrio con anorac cruza el patio de butacas hasta la primera fila y sube al escenario, coge el micrófono y comienza a hacer sonidos guturales. Luego se mete en el backstage. La escena coincide con un crescendo que te hace pensar que tal vez el número forme parte del espectáculo, pero luego ves que no es así, porque el homeless ebrio, hambriento de protagonismo escénico, vuelve a aparecer, se cuelga la Fender del guitarrista (que ahora está usando la LesPaul), y se acerca a un micro lateral con movimientos torpes poniendo en peligro el backline y, por supuesto, la Fender.

¿Que expectativas tienes sobre la reacción del guitarrista con flequillo, que en pocos segundos terminará el solo y se girará hacia su derecha, tomando conciencia de la situación?

a) Con un movimiento instintivo y sin apenas tiempo de reacción, le parte la guitarra en la cabeza al homeless ebrio, y muy posiblemente, ya que se trata de una LesPaul, el sonido del impacto suene superbien y la gente se levante y aplauda y luego todos juntos nos comamos vivo al homeless ebrio a ritmo de punk-rock.

b) El grupo deja de tocar, y se detiene el espectáculo hasta que alguien echa del recinto a  nuestro protagonista

c) El guitarrista observa la escena y como si no le importase sigue tocando su canción, confiando en que el técnico de sonido baje el volumen del micrófono del homeless que intenta interpretar un tema de Tom Waits. El resto de los miembros del grupo tampoco se inmutan, y al cabo de un minuto los organizadores del concierto aparecen y, muy amablemente, invitan al homeless ebrio a bajar del escenario y a sentarse en primera fila.

Mayoría de a: Eres un español de pura cepa. Estás acostumbrado a pagar por la música y a partir putas caras. Eres conformista. Lo pagas todo, así que merecerías un buen sueldo. Deberías dedicarte al mundo de los eventos. Si fueses organizador de conciertos, serías rico y detestable, pero muy feliz. Gracias a gente como tu, España es un pais en el que la única música en directo gratuita que puedes encontrar en un pub es la que interpreta Shakira via 40tv.

Mayoría de b: Eres consciente de que el mundo no va bien, y desearías cambiar las cosas. Eso sí, tus expectativas no van más allá de lo que tu entorno social te ha enseñado. La verdad, eres un perfil bastante soso. De hecho, la opción b no tiene mucho sentido, pero necesitaba  algo que mediara entre la primera y la que sigue, que es la que me interesa verdaderamente. Fyrirgefning í kring this.**

Mayoría de c: Si este es tu caso, ya sabes lo que me sucedió ayer por la noche en Reykiavik. Esto podría ser un ejemplo de lo que en Occidente viene llamandose culture shock. Si en tu caso eres español,  un choque cultural no consiste necesariamente en que una niña de una tribu del Amazonas te escupa en la cara para darte las buenas noches o que un hindú te salude mientras caga en una calle de Nueva Delhi, sino tal solo en asistir gratuitamente a un concierto de seis bandas buenas en un recinto confortable, con un sonido “de concierto caro”, y con la sala medio llena, prueba de que no se trata de una situación excepcional. Tha'ts Iceland, único país del mundo en el que los vagabundos pueden disfrutar de música en directo de calidad.

* Se que he dicho seis bandas y solo he mencionado cinco. Posiblemente llegáramos tarde y nos perdiéramos la primera, los Panic Platform, pero no se nada de ellos.

** Esto que hago de poner frases en islandés no es para chulear, no te confundas. Selecciona la frase y utiliza un traductor on-line para averiguar que significa. Es una técnica a través de la cual, de un modo interactivo y entre todos, aprenderemos  la lengua islandesa, que no sirve absolutamente de nada pero, no se, es guay.

¿CUANTO SABES SOBRE ISLANDIA? CINCO TÓPICOS SOBRE LA MOVILIDAD

2009-08-28T11:37:00.000-07:00

¿Que es exactamente esto del Erasmus?

Es como comprar una entrada a Disneylandia pero con la diferencia de que una mitad la paga el Ministerio de Educación y la otra tus padres, y que dura un año. Puedes ir medio año pero es como comprar la entrada de 20 euros de las 19:00 a Port Aventura, o sea que preferirías quedarte más. Algunos dicen que con las experiencias que adquieres te haces mayor pero eso es lo que se les dice a los padres para que hagan la transferencia. Aprendes cosas, sí, pero no te haces mayor. Algunos van a estudiar, pero está demostrado que el nivel académico que la universidad exige a un estudiante de intercambio es menor que el que exige a un estudiante local, con lo cual estudiarías más si te quedaras en casa.

¿Por que Islandia, si hace tanto frío?

Eso no es del todo cierto. A diferencia de lo que piensa la gente, el clima en Islandia es mucho más suave que en el resto de los países escandinavos ya que, al ser una isla, se regula mejor la temperatura. Otra cosa: en Islandia hace más frío sí eres español. Esta mañana iba por la calle con abrigo, guantes y bufanda y todo el mundo iba con ropa de verano: las chicas con top y algunos hombres con camiseta sin mangas. Hacía sol.

¿Realmente se puede hacer algo de provecho en Islandia?

La verdad es que no mucho. Pero aún así, comparándo Reykiavik con otras capitales del tercer mundo cultural como, por ejemplo, Barcelona, la capital se asemeja mucho más a las ciudades europeas en lo que a oferta cultural y de ocio nocturno se refiere. Cualquier pub nocturno ofrece música en directo hasta las 03:00 de la madrugada, y eso sin contar los festivales de música, cine y teatro, y no sólo en la capital. Y si no te interesa nada de esto, por lo menos hay wi-fi gratis en todas partes, incluyendo los glaciares, y siempre puedes entretenerte visitando las granjas virtuales de tus vecinos en Facebook.

¿Por que a los islandeses les mola Rothko?

Esto no es exactamente un tópico, pero por los pasillos de la universidad hay lienzos muy rothkonianos y pienso que ello se debe a que los islandeses son muy sencillos y contemplativos, y como con Rothko hay que pensar más bien poco, el rollo tricromático les debe gustar. Y en esencia, el paisaje islandés parece pintado por él. Es decir, que hay poco que mirar, pero sí otras cosas que hacer.

¿Por que no se debe renunciar a un viaje al extranjero por una mujer?

No tengo ni la más remota idea. Mis amigos dicen que sería una locura y que, pensándolo de un modo racional, es absurdo malgastar una oportunidad que a la larga le ofrece a uno tantas buenas experiencias solo por un placer pasajero, y que la lógica del deseo es perversa y que uno debe mirar por si mismo y demás cosas que se dicen si esto no te ocurre a ti. Aunque, si atendemos exclusivamente a un criterio de racionalidad, ¿que sentido tiene un viaje de nueve meses a Islandia? Es decir ¿que hay de racional en establecerse en un país con la tasa más alta de suicidios del mundo, donde el invierno dura ocho meses y ofrece solo cuatro horas de medio-sol, donde creen en gnomos y donde, digámoslo claro, la vida es una putada? Creo que, en este caso, un criterio de racionalidad es un poco cutre, se agota, y nos adentramos en un terreno en el que el propio viaje tiene tanto sentido como el hecho de renunciar a él por una chica o por un perro. Hablamos del misterio de la emoción.

2

2009-02-24T09:04:00.000-08:00

Eduardo escucha "In fiction" de la banda norteamericana Isis sentado en el sofá de su salón junto a su novia Natsuki, una muñeca erótica de 4 Woods que compró por la red hace dos meses. Eduardo es feliz porque su novia lo tiene todo. Dispone de una suave y elástica piel de silicona que se usa en tratamientos médicos para personas reales. Está dotada de una estructura esquelética de silicio con articulaciones de doble eje que permiten 33 grados más de movimiento respecto a modelos anteriores. Posee un gel especial en el interior de los senos que reproduce la sensación táctil y el movimiento de unos pechos reales. Contiene maquillaje incrustado en la silicona para una mayor duración del color y un agujero matrimonial diseñado con materiales suaves que Eduardo limpia después de cada uso. Y todo ello lo completa el bello en el cuerpo, que ha sido trasplantado a partir de una mezcla de cabello real y materiales sintéticos. Through fiction we saw the bird / Of futures yet to come. Para Eduardo la elección de la canción no ha sido casual. Es la primera vez en mucho tiempo que escucha música junto a alguien. Esperaba que fuera una persona especial y Natsuki parece comprender muy bien esa actitud contemplativa con la que a Eduardo le encanta escuchar Isis, sentado en el sofá, desconectado el teléfono, las persianas bajadas, un solo foco de luz verde dispuesto en una esquina, verde como los directos de Isis que Eduardo ha visto por Youtube. Natsuki con su estrecho vestido rojo. Ahora le toca un pecho. Le besa los párpados. Eduardo piensa que la tarea de los diseñadores de 4 Woods es el modo más precioso que existe de investigar la realidad. Alguien llama a la puerta. Tal vez el portero, preocupado porque hace días que Eduardo no cruza el portal. Solo él y Natsuki en el salón verde. Yet in Fiction lay the bones / Ugly in their nakedness / Yet under this Mortal Sun / We cannot hide Ourselves

CURSO ONLINE SOBRE ROTHKO

2009-02-16T14:05:00.000-08:00

1) ALGUNOS DATOS SOBRE MIRCEA ELIADE

En 1928, avanzandose a su tiempo en lo que respecta a la posterior moda jipi de viajar a la India para descubrir nuevas drogas y a uno mismo, Eliade parte de Bucarest para emprender un viaje de tres años que, según los académicos, será fundamental para forjar su identidad y su obra como historiador de las religiones. Con esta mirada es con la que comenzará a interesarse por el arte contemporaneo. A partir de las cuestiones que plantea Eliade, me interesa un análisis de la obra de la Rothko; pero antes, 5 minutos de calentamiento y quema de grasa:

2) BREVÍSIMA LECCIÓN MAGISTRAL DE ARTE CONTEMPORANEO

Después de la Segunda Guerra Mundial, algunos artistas provinentes de diferentes disciplinas cuya característica común era ser muy sensiblones, pensaron si realmente tenia sentido hacer arte mientras otras personas lanzaban bombas nucleares en mitad de la población o exterminaban etnias. Así pues, decidieron que lo más lógico era relacionarse con sus obras de una forma un poco más violenta ¿Por que no destruir en lugar de crear? dijo uno. Es entonces cuando Jackson Pollock pisa sus lienzos, Shozo Shimamoto raja sus cuadros y Piero Manzoni excreta en latas. Los manuales lo llaman Arte Contemporaneo, pero yo creo que eso es más bien un eufemismo pijo para agrupar tendencias diversas como el Dripping Painting, el Action Painting, el Fluxus o el Arte Povera, entre otras.

3) COMO ENTENDER ESTO DEL ARTE CONTEMPORANEO A LA LUZ DE LA TESIS DE MIRCEA ELIADE, PARTIENDO DE SU ENSAYO <PERMANENCIA DE LO SAGRADO EN EL ARTE CONTEMPORANEO> Y ACABANDO CON UN HELADO DE FAMBRUESA, NARANJA Y LIMÓN.

A raíz de este cambio de paradigma, el camino del artista moderno consiste en la destrucción de las formas tradicionales y la admiración por lo elemental, lo más puro. En relación con esta última tendencia, Eliade sostiene que esta fascinación no consiste en una búsqueda del conocimiento objetivo de la realidad, como sucedía con la pintura de paisajes decimonónica, sino en un deseo de apresar el sentido profundo de su universo plástico. Nos situamos aquí en una valoración de la obra de arte más bien estetico-religiosa que filosófica, lo cual no desacredita puntos de vista más propios de la Historia del arte. Para que nos entendamos, hablamos aquí de artistas ateos: no creen en Dios, no pintan ídolos, tan sólo buscan la espiritualidad en el propio material que trabajan. Se trata de una religión tangible o, en palabras de Eliade, de una religión cósmica, con la que el artista retorna a esa actitud arcaica de revelar lo sagrado en las formas materiales. La tesis de Eliade consiste en que el arte sagrado en el siglo XX ya no es religioso, ya que está creado en las esferas profanas de lo artistico, esto es, el arte abstracto.
Con ello, la obra de Rothko es ejemplar para ilustrar esta idea. Rothko disuelve la figuración de sus imagenes, en un intento de reencontrar una estructura primera, arcaica y esencial. Ya no le sirven las figuras humanas, y necesita recurrir a la abstracción para seleccionar las texturas e imagenes que la figuración ya no puede ofrecerle. Lo jodido es que este proceso de renuncia a la figuración comienza a inicios de los 40, lo cual significa que, crónologicamente hablando, el punto 2 no nos sirve de mucho pero... ¡Que más da! ¡La cronología no entiende de contemplación! ¡Hablamos aquí de como a través de la reflexión espiritual podemos decifrar una cosmogonía que un artista despliega a través de un medio profano! Y si no es así, siempre nos quedará ese clàsico, la interpretación del helado de frambuesa, naranja y limón, combinación poco apetecible pero, eso sí, combinación cósmica.

"Sin título"

¿TE GUSTA EL CINE? ¡DESCUBRE TU CINEFILIA!

2009-02-08T07:33:00.000-08:00

1)
En el año 2007 te diriges al cine a ver Zodiac, la última película de David Fincher. Pongamos por caso que no eres un crítico cultural ni un literato. No has leído a Bazin ni el Cahiers du Cinema, ni siquiera el Fotogramas del último més. Tan solo eres un espectador que va al cine, que le encantó Se7en y que te has enterado de que Fincher estrena una nueva película de asesinos en serie. Así que compras la entrada reducida con el carné del TR3SC, un menú combo con Coca Cola Light, un twix y vamos allá. La primera hora de peli promete: unos periodistas que reciben cartas apócrifas de un supuesto asesino en serie, combinado con una trama de investigación policial. La segunda hora resulta algo farragosa para ti: la trama se dilata, la investigación se congela, y las pistas se diluyen. La última media hora és la búsqueda de un final imposible; lo buscan los personajes, los guionistas e incluso tu. Jamás sabrás quien es el asesino, ni tan solo si este existe o se trata de un colgado que se atribuye asesinatos para crear un perfil virtual de sí mismo.¿Como te sientes cuando termina la película?

a) Piensas que te han tomado el pelo y que Se7en sí que era buena, sobretodo la escena final en la que Brad Pitt le peta la olla a Kevin Spacey.

b) Piensas que la película és una metáfora de cómo el concepto hitchcockiano del McGuffin ha superado lo anecdótico para emperzar a explorar terrenos mucho más interesantes.

c) Piensas en lo estúpido que resulta el pedirse una Coca Cola Light si va acompañada de un twix.

2)
Dos años después, harto de películas con argumentos convencionales, decides ir a ver El curioso caso de Bejamin Button. En bachillerato te obligaron a leer un cuento de Manuel de Pedrolo titulado <El regressiu>, con una historia muy parecida y, aunque no conoces el relato de Fitgerald en el que se basa la película, te consideras suficientemente documentado como para comprender el film en su totalidad. Esta vez, ya sabes que vas a encontrarte con algo especial, así que te concentras durante las 2h y 37 minutos de metraje. En este caso, y para no joder con spoilers, te guardas la historia para ti. ¿Como te sientes cuando termina la película?

a) Consideras El curioso caso de Benjamin Button una mezcla entre Amelie y Encuentros en la 3a fase, lo que significa que Fincher te la ha colao dos veces y jamás volverás a ver una película suya.

b) Ves en la película la forma más maravillosa de narrativizar la experiencia humana. Benjamin Button representa la mirada interior. El hecho de que viva una vida al revés, naciendo viejo y volviéndose joven, es una metáfora que funciona para desarrollar la compleja sicología del ser humano: el niño que nace sientiéndose diferente a los demás, incapaz de comprender lo que sucede a su alrededor, y que poco a poco va adquiriendo una forma bella, joven, es decir, el camino hacia la realización personal. Te encanta, también, como la película establece un diálogo con la historia del cine, la heterogeneidad del lenguaje cinematográfico con el que cada època de los Estados Unidos -comenzando con los felices años 20 y terminando con la llegada del huracán Katrina- se ve a sí misma a través del reflejo de celuloide.

c) Te apresuras en volver a casa y te masturbas pensando en la Kate Blanchet del segundo acto. Te imaginas, a poder ser, que te lo haces con ella mientras realiza la postura de bailarina con la que intenta seducir a Brad Pitt.

Resultados

Mayoria de a)

Eres un cinéfilo de los que estan de moda. Te mola rajar y no dejas pasar ni una. Serías capaz de liarte a hostias con todo aquel que mancille el honor de alguna de tus Películas Sagradas (Reservoir Dogs, E.T., Forrest Gump, Terminator 2, Matrix, etc.) Posiblemente odies a Albert Serra, y con razón. David Fincher se aleja cada vez más de lo que para ti es el cine. Si fuera tu novia, le enviarias un sms en el que, a modo de advertencia, pusiera “Tnmos k ablar”.

Mayoria de b)

Felicidades. Tu cinefilia es digna de Festival Internacional. Te mereces un lugar en el cielo del cine, esto es, un voto para la lista de las mejores películas del año según los lectores de Cahiers du Cinema. Has advertido con ojo crítico que David Fincher está que se sale y que, en un mundo en el que la originalidad narrativa se ha convertido en un chiste -véase el caso de Tarantino, cuyos dos últimos films lo han convertido en una parodia de sí mismo- Fincher apuesta por una mirada reflexiva, introspectiva y espiritual de la existencia humana.

Mayoria de c)

No vale la pena que sigas pagando por ir al cine. Llama a tu colega informático para que te abra los puertos del Router y bajate las pelis i series de Emule. Serás más feliz.

DOS PÁJAROS DE UN TIRO O COMO APRENDÍ A DEJAR DE ODIAR A ALBERT SERRA Y DISFRUTAR DEL SUFRIMIENTO

2009-02-06T03:24:00.000-08:00

Una cosa está clara: criticar a Albert Serra mola. Sí, ese tio con bigote y acento rural que dice estar solo en el cine español, que no sabe muy bien si su cine es o no religioso, que no dirige actores sino a colegas y que, por si eso fuera poco, se caga en todo cineasta que, en el panorama actual, podría recordarte a él. No lo pone fácil, no. Un par de lecciones de élite sobre El cant dels ocells para aquellos que no hayan leído la Biblia y/o el Cahiers de Diciembre

Para Carlos F. Heredero es un alejamiento de los personajes-símbolo que son los Reyes Magos, una imagen plana. Para Ángel Quintana, es un retorno al carácter esencialista del mito, la necesidad de relatar el cuento de Navidad desde una total transparencia, lejos de toda posibilidad de virtuosismo y ornamentación fílmica. Para Cyril Neyrat es la poética de la indefinición de los personajes, un encadenamiento de superficies gráficas en las que no hay contenido narrativo, tan solo aficionados caminando hacia el horizonte. Pero, ¿que es exactamente El Cant dels ocells? Para mi, se trata de restablecer el grado cero de la historia del cine. Un desierto simbólico, una superficie fría, una tabula rasa en la que todo empieza de nuevo: sin tramas, sin colores, sin personajes, sin influencias. Todo eso es el Cant dels ocells, una provocación narrativa que debe leerse como tal si uno no quiere morir de indigestión. Y es que Albert Serra produce indigestión. Para mi, es un tipo con mucha suerte, que no hubiera tenido cabida dentro del panorama del cine europeo si no fuera por cineastas precedentes que le han allanado el terreno (Gus Van Sant con Gerry, Marc Recha con Pau y el seu germà, Jaime Rosales con Tiro en la cabeza y Jose Luis Guerín con En construcción) y en los que, curiosamente, se caga Albert Serra. Pero decir que Albert Serra no hace cine es como decir que Mike Patton no hace música, que Dino Buzzati no hace literatura o que Jackson Pollock no hace pintura. ¿Desde cuando un autor debe ser consciente de la magnitud de su obra?
Recientemente he leído en un blog muy cool como se comparaba El cant dels ocells con el videoclip de Enjoy the Silence de Depeche Mode. Estupenda comparación, digna de la reseña que en 2o de ESO hiciste sobre el libro que no habías leído. Podemos vomitar todo nuestro malestar con blasfemia infundada, o podemos evaluar nuestra indigestión con nuevas herramientas críticas, sufrir la película, sudarla hasta el final, y luego juzgar. Para el malestar, siempre es bueno disponer de un Cahiers en el bolso, que aunque supone hacer trampa, sigue siendo el mejor antibiótico para la falta de juicio.

ATENCIÓN: ESTA ENTRADA CONTIENE SPOILERS QUE REVELAN DATOS DE ENTRADAS QUE SE PUBLICARÁN PRÓXIMAMENTE ---------------------------- Sigue Leyendo:

2009-01-11T08:28:00.000-08:00

Hablemos de las modalidades de pornografía que actualmente ofrecen empresas y particulares mediante la Red. En un directorio convencional podemos encontrar categorías como: sexo anal, gordas, folladas, latinas, juguetes, sado, jovencitas, sexo gay, orgías, mamadas, manga, corridas, interracial, TGPs, maduras, travestis, culos, negras, asiáticas, fetichismo, de pago, sexo duro, lesbianas, tetonas, amateurs, relatos, pornstars, arte, masturbación, violencia, bizarro, animales, POVs, webcams, bukkakes, modelos, fiestas, etc. Lo interesante del asunto es que, para la búsqueda de ciertas categorías especiales, como la coprofagia (uso de heces con fines fetichistas) o la acrotomofilia (sexo con individuos con algún miembro amputado) un directorio convencional no es válido; se debe acceder a páginas especializadas para poder consumir, mediante compra o gratuitamente, online o en descarga directa, el producto deseado.

Preguntas:

1) ¿La gente se ha vuelto hoy sexualmente loca, o mas bien es que Internet ofrece la posibilidad de hacer publicas algunas de las prácticas extremas que llevan ejecutándose durante siglos de Historia, desde tiempos inmemoriales? ¿No son estos géneros el último modelo de representación ficcional de hasta que punto puede llegar la lógica de la imaginación humana a absorber la atención del destinatario, a alejarlo virtualmente de los valores morales convencionales siguiendo la tradición de La filosofía en el tocador del Marqués de Sade? Incluso Seth Mcfarlane nos advierte en un capítulo de Padre de Familia de como, antes de convertirse en convenciones socialmente aceptadas, estas prácticas extremas tienen la capacidad de engendrar una serie de géneros que focalizan su atención en la propia reacción del espectador ante el visionado [1], por encima del propio contenido del producto, incluso convirtiéndose en parodias de sí mismos.

2) ¿No es exactamente lo mismo que sucede con la música? Géneros que siempre se habían mantenido ocultos al público y que ahora, gracias a la Red, se nos presentan como partes iguales de un espacio de cooperación en el que nadie queda marginado. Aunque, digámoslo claro, aún existen tendencias extremas y laterales que solo pueden conseguirse en blogs muy específicos. No ha llegado aún el día en el que las páginas principales de portales como MySapce o Lastfm contengan hipervínculos que, a modo de promoción, nos ofrezcan la posibilidad de escuchar Monarch, Fantomas, John Zorne o Sun O))) sin saber previamente de que se trata.

Respuesta a 1 y 2:

Sencillamente Internet crea un espacio estéticamente comunista en el que raros, popis, depravados, melómanos y friquis pueden convivir sin pegarse. Hasta podrían tener hijos.

[1] http://es.youtube.com/watch?v=_OBJZaFo6KM

FACES

2008-12-22T06:54:00.000-08:00

Perfil de Clara actualizado hace 59 minutos

Cumpleaños Ver todo
Hoy
Ruth Mayol

Clara ha sido invitada al evento ¡SUSHI Y A BAILAR! por Esther Bauçà

¿Que estás haciendo ahora?

Clara está entrando en La 2 de Apolo con Laura Figueres -18 amigos en común-, Esther Bauçà-23 amigos en común-, Silvia González -12 amigos en común- y Ruth Mayol -2 amigos en común-. Hace 2 minutos - Comentar

1 solicitud de amistad – Jordi Torrens-1 amigo en común
Información básica
Fecha de nacimiento: Nacido el 24 de noviembre de 1987
Situación sentimental: Soltero
Interesado en: Mujeres
Buscando: Amistad/Ligar
Grupo musical favorito: Berri Txarrak

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Clara ha sido etiquetada en un álbum. 02:49 - Comentar

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Clara està canjeando su vale de consumición por un Havana 3 con Coca-Cola. Hace 3 minutos - Comentar

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Laura Figueres, Esther Bauçà, Clara y Silvia González han hecho un regalo público a Ruth Mayol. 03:56 – 1 comentario
“Pontelo cuando Xabier te lleve a esquiar y seguro que le vuelves loco”

1 solicitud de amistad – Manel Segovia– No teneis amigos en común
Información básica
Fecha de nacimiento: Nacido el 3 de febrero de 1984
Situación sentimental: En una relación abierta
Citas favoritas:
L'amor em llepa i m'ho dón' tot,
em fa cardar, menjar, dormir,
de fred em guarda i de calor,
m'ama els badalls, m'omple els sospirs,
em torna sant i màgic
Música favorita: Chopin
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2008-11-21T07:08:00.000-08:00

Explíquenme, por favor, una metodología para evaluar el drone. Yo no la tengo.
Este texto trata sobre Sunn 0))), pero ¿de que trata Sun 0)))? Lejos de establecer un juicio estético sobre el grupo, sobre su producto musical, sobre la posibilidad de considerar si realmente se trata de música o es un bulo, me interesa analizar la incomodidad que supone el asumir la ausencia de herramientas críticas para abordar esta forma asimptótica, extrema del drone. Sí, me dirán que a principios de siglo la música moderna era una aberración para la academia, que el uso de la guitarra eléctrica en los años 50 y 60, como bien pudo notar Bob Dylan, era una profanación de las formas clásicas del folk, que Ministry era, en el contexto de la estética '80, nada escuchable y menos aún bailable, puta mierda vaya. Pero en todos estos casos, el arquetipo del “purista retrogrado”, hijo de su tiempo tiene argumentos que, al margen del valor que les atribuyamos, justifican una determinada concepción del desacuerdo. “No pero es que a mí no me molan nada los Sunn” ¿No será que vas más perdido que Galdós en el monte?
Hablando en términos semióticos, sabemos que el título de una obra de arte tiene un objetivo referencial. Por poner un ejemplo, en buena parte de su obra, Pollock o Rothko prescindian del título del lienzo en un intento de destruir la relación que el nombre establece entre la pintura y la realidad. Pues bien, Sunn 0))) pasan de este rollo, y ponen nombres a sus canciones. “Mocking Solemnity”, “Orthodox Caveman” -tiene huevos lo de ortodoxo, un concepto a años luz de lo suyo- o “The gates of ballard” -supongo que este último funciona como manual de acceso al producto en plan “empiecen con La exhibición de las atrocidades de J.G. Ballard y al igual pillan algo”-. Pero ¿cual es la naturaleza sígnica de los titulos de Sunn 0)))? ¿realmente tienen una motivación referencial o es otra vuelta de tuerca para alejar al público de cualquier canon o posibilidad de acceso? Sólo el magma primordial, en términos de Fernández-Porta, funciona como símil de las músicas extremas en lo que podemos definir como esencialita, subterráneo y preverbal.
Sírvanse ustedes con este fragmento que muestra el modo en como el ocultamiento del sentido de su música, con ese terrible resultado que es la incomodidad de la ignorancia, tiene una extensión performativa.

FERTILIDAD Y STEADYCAM

2008-11-19T12:50:00.000-08:00

La estética ciberpunk, fundada con Neuromante y rebozada con Matrix encuentra una nueva receta en una serie de películas de ciencia ficción que, en plena era digital, renuncian al cuero y al underground futurista e investigan nuevas formas de abordar la puesta en escena. Obras como Solaris –el criticado remake de Steven Soderberg- o Code 46 – de Michael Winterbotton- muestran una representación del futuro que no obedece a la ostentosidad formal sino a la lógica del relato, al punto de vista: ejercicios de estilo más cercanos a una imagen-tiempo y a la reflexión del sujeto.
Hijos de los hombres (Children of men, 2006) representa el último escalón de esta búsqueda de lo humano en la visión cinematográfica del futuro, una poética realista que se lleva a cabo mediante dos elementos fundamentales. El primero es de carácter narrativo y consiste en el uso del tema de la fertilidad: en un mundo en el que los humanos han perdido la capacidad de procrear, Theodor Faron (Cliff Owen), personaje supuestamente apolítico, emprende un viaje junto a una joven embarazada para salvar a la humanidad. Este planteamiento le sirve a Alfonso Cuarón para escrutar una distopía en la que la humanidad envejece. La fertilidad no solo resulta un problema biológico, sino político. Pero el relato no alecciona, ni mucho menos. No hay concreción del villano. De hecho, la información contextual es mínima, de modo que es imposible interpretar que papel moral juega cada uno de los grupos políticos –activistas, gobierno, proyecto humano, etc.
Más allá de todo ideal político, el viaje es para el protagonista un retorno, una búsqueda de la identidad personal. Faron necesita llevar a cabo ese viaje interior para encontrarse a si mismo, aferrarse a un ideal ajeno para volver a sentirse vivo, no por lo la felicidad que le procurasen sus ideales de juventud, sino por el anhelo de aquello cuya pérdida supone el peor de los males para cualquier hombre: su hijo muerto. La infertilidad funciona por lo tanto como imagen apocalíptica de un mundo en decadencia que ve morir a sus hijos ante la progresiva extinción de todo elemento humano.
El segundo elemento con el que la película intenta acercarse al realismo cinematográfico es de carácter formal, se trata del uso de la steadycam, que afecta directamente al estilo cinematográfico dándole ese tono de documental con el que, en ocasiones, la cámara parece hallarse accidentalmente en el lugar. La mayoría de las escenas de la película están rodadas en un solo plano secuencia, una fórmula que, aunque parezca vacía de contenido, responde a esa intención de hacer partícipe al espectador del tiempo cinematográfico, de involucrarle para que este quede hipnotizado ante el realismo que se le presenta, lo cual demuestra que renunciar a lo digital y a lo ostentoso no significa renunciar a la espectacularidad del plano.
Como cabía esperar, Slavoj Zizek ha metido cizaña en el asunto; así que la edición en DVD está provista de un breve documental en el que el filósofo comenta el film; al parecer la película trata de un “viaje sexual” – ¿no era también la torre de control del aeropuerto de Casablanca un pene en el inconsciente del espectador? -. Pero al margen de la opinión de un tipo que, a la óptica de Eugenio Trías, considera que los pájaros de Los pájaros (The birds, 1963) representan la superioridad materna de una naturaleza que se revela contra el deseo sexual de la protagonista, la inclusión de este apartado pone de manifiesto la intención de hacer visible el discurso de la película. A modo de breve manual de filosofía, Zizek disecciona la película en busca de ese nivel de significación que se mantiene oculto tras los elementos formales y que se despliega con un estilo arriesgado, democrático, y robusto.
Alfonso Cuarón ha logrado dar vida a lo que él llama su "anti-Blade Runner", otro ataque directo al género de la ciencia ficción, que acabará sucumbiendo bajo los escombros de sus propios productos y ante la cada vez más aguda presencia de un discurso donde el ciber-estilo es sustituido por el estilo del autor.

J.P.

KATE PREFIERE A JACK, WALTER BENJAMIN PREFIERE A SAWYER

2008-11-18T10:30:00.000-08:00

Porque el problema es que cómo Benjamin se suicidó aquí tan cerca, en el extrarradio catalán, le tenemos más cariño de lo normal y a veces cuesta decir algo tan fácil como que la llegada de la chica Internet, que ha revolucionado las feromónas de nuestro macho alfa TV, obliga a redefinir su postura del "espectador distraído", así como la relación del sujeto con los nuevos medios. Si nos ponemos en plan arqueólogos 2.0 no es difícil rastrear la importancia inaugural del Portal de televisión ya que, siendo anterior el surgimiento de este a la llegada del ancho de banda, se trata del primer modelo que concentra la convergencia TV-Internet, así como una primera aproximación al uso comercial que se deriva del binomio. Según Javier Pérez de Silva, sus estrategias son, en primer lugar, establecer una relación personal con la audiencia mediante el uso de Internet como instrumento complementario de diversificación, y consecuentemente de intensificación de la audiencia. El objetivo es crear programación complementaria en Internet. En segundo lugar, usar la Red como vehículo promocional de redirección de los internautas hacia un canal en concreto, a través de estrategias como la oferta de videoclips, trailers o concursos. Por último, establecer Internet como medio de entretenimiento online que, debido a su bajo coste de elaboración de productos, pueda usarse como plataforma experimental de cara a una futura televisión interactiva. Como vemos, el Portal de televisión nace como ejercicio sociológico, como una prueba para evaluar los resultados de la combinación de ambos medios, y como paso previo a la convergencia total en un solo aparato. La postura de Lorenzo Vilches sobre la profecía de la gran síntesis entre televisión e Internet es más crítica: considera que el hecho de que los televisores hayan mejorado su funcionamiento gracias a su conexión a redes digitales no implica necesariamente un camino unidireccional hacia la convergencia total de ambos medios. No todo depende de las posibilidades tecnológicas que nos permite la ciencia, sino también de sus aplicaciones y resultados comerciales. Que pueda hacerse no significa necesariamente que vaya a hacerse. Por este motivo, el Portal de televisión representa un conejito de indias ideal para evaluar las consecuencias comerciales de esta síntesis.
Por otra parte, el objetivo último del Portal de televisión no es el consumo de páginas Web por parte de los internautas, sino el consumo de televisión en el televisor. Hay que tener en cuenta que el surgimiento de este modelo comercial que es el portal de televisión, al ser anterior a la llegada del ancho de banda, es también previa a las plataformas de consumo de televisión vía Internet como Youtube o MySpace, nuevas experiencias participativas en las que, según los expertos, se encuentra el futuro de la televisión. Pero existen actualmente otro tipo de plataformas de difusión televisiva en las que tanto la técnica de realización y montaje como los contenidos se llevan a cabo de manera artesanal. Hablamos de la iniciativa Neokinok.tv, una propuesta del realizador y videoartista Daniel Miracle que emite desde 1998 con una estrategia completamente novedosa y que promueve la participación de las diferentes comunidades, no sólo en el desarrollo técnico sino también en la gestión de la emisión. Félix Pérez-Hita y Morrosko Vila-San-Juan comentan esta “tele-herramienta”:

La televisión experimental (...) sirve para desarrollar una visión crítica sobre el medio y lanzar lineas de investigación al respecto. Una televisión que no sólo le sirva al espectador para desconectar, como dice la famosa fórmula de Enzensberger, sino todo lo contrario: una tele-herramienta para ser vista y escuchada con atención tensa, con la que el espectador se sienta comprometido y con auténtica capacidad de participar (Perez-Hita, Vila-San-Juan, 2008, p. 26).

Con tres cámaras incorporadas a un casco fabricado por el propio Miracle, uno puede grabar entrevistas y retransmitirlas a tiempo real. Este método de trabajo sólo es posible si se trabaja con tecnología digital, pues con antiguos sistemas analógicos la posibilidad de trabajar con instrumentos artesanales se complicaría en gran medida, por no hablar de los costes de producción. La programación de Neokinok.tv abarca desde la emisión experimental de festivales de teatro hasta la retransmisión en directo de una ouija. Obviamente Internet ha resultado ser el medio ideal e imprescindible para que la plataforma pueda difundir su programación (aunque también han participado en frecuencias de televisiones locales como BTV). El año pasado Neokinok.tv dispuso una televisión local en la favela de Alagados que fue gestionada, realizada y montada por los propios niños y adolescentes de la comunidad, y en la que podían expresar sus experiencias culturales así como la realidad de violencia y pobreza de la zona. Del mismo modo, Greenpeace ha utilizado esta televisión para emitir, vía Internet, su propio canal en España. La idea es que una visión crítica de la televisión por parte de sus espectadores sólo es posible cuando se les permite a estos una accesibilidad fácil y gratuita hacia el propio medio. Así, una vez se hayan destapado los mecanismos invisibles y las fuerzas de producción que mueven el discurso televisivo, el usuario tendrá suficiente claridad para opinar.
Volviendo a la actual redefinición de la difusión del producto televisivo, Vilches nos habla de que el nuevo sistema de convergencia mediática implica la pérdida de la identidad original del programa debido a la creciente interactividad por parte del espectador. El producto deja ahora de ser un formato cerrado para convertirse en un servicio de entretenimiento abierto que no se agota en su contenido. Un ejemplo de esta cuestión podría ser la serie de ficción de J. J. Abrams Lost. No nos interesa el contenido narrativo de la serie, sino el fenómeno sociológico que ha surgido precisamente como consecuencia de lo que la convergencia de medios ha posibilitado. Se trata de la serie a la que más foros en Internet están dedicados; su plataforma oficial online, Lost Experience, no sólo es un instrumento en el que los usuarios pueden aportar ideas, e incluso crear posibles lineas narrativas, sino que funciona como parte complementaria de la narración en la que los guionistas ofrecen datos narrativos que no se conocen mediante el visionado de los episodios. En Lost Experience los internautas construyen la página interactivamente con sus teorías y especulaciones acerca del final de la serie. Es claramente un ejemplo de las dos primeras estrategias del Portal de televisión: se crea en Internet una programación complementaria, al mismo tiempo que se usa como vehículo promocional para redirigir a la audiencia hacia un canal de televisión. Paralelamente, y esto puede extrapolarse a cualquier serie de HBO, NBC, ABC o Showtime, los telespectadores europeos no esperan a que la serie sea comprada por un canal nacional, sino que acceden a ella a través de páginas personales, a través de servicios de descarga directa o incluso mediante visionados online en los que el propio usuario subtitula el capítulo sin ánimo de lucro, algo que forma parte de las estrategias de venta y que los propios productores consideran bueno para la promoción del producto. Esta es una de las consecuencias de la integración del espectador en el negocio de la televisión después de la tercera revolución industrial.

Joaquim Pintó

PEREZ-HITA, Félix, et al. «¡Hagase usted mismo su propia tele!». en Cultura/s nº 309, 2008
PÉREZ DE SILVA, Javier, La televisión ha muerto. La nueva producción audiovisual en la era de Internet. Barcelona: Gedisa, 2000
VILCHES, Lorenzo, La migración digital. Barcelona: Gedisa, 2001