CURSO ONLINE SOBRE ROTHKO

1) ALGUNOS DATOS SOBRE MIRCEA ELIADE

En 1928, avanzandose a su tiempo en lo que respecta a la posterior moda jipi de viajar a la India para descubrir nuevas drogas y a uno mismo, Eliade parte de Bucarest para emprender un viaje de tres años que, según los académicos, será fundamental para forjar su identidad y su obra como historiador de las religiones. Con esta mirada es con la que comenzará a interesarse por el arte contemporaneo. A partir de las cuestiones que plantea Eliade, me interesa un análisis de la obra de la Rothko; pero antes, 5 minutos de calentamiento y quema de grasa:

2) BREVÍSIMA LECCIÓN MAGISTRAL DE ARTE CONTEMPORANEO

Después de la Segunda Guerra Mundial, algunos artistas provinentes de diferentes disciplinas cuya característica común era ser muy sensiblones, pensaron si realmente tenia sentido hacer arte mientras otras personas lanzaban bombas nucleares en mitad de la población o exterminaban etnias. Así pues, decidieron que lo más lógico era relacionarse con sus obras de una forma un poco más violenta ¿Por que no destruir en lugar de crear? dijo uno. Es entonces cuando Jackson Pollock pisa sus lienzos, Shozo Shimamoto raja sus cuadros y Piero Manzoni excreta en latas. Los manuales lo llaman Arte Contemporaneo, pero yo creo que eso es más bien un eufemismo pijo para agrupar tendencias diversas como el Dripping Painting, el Action Painting, el Fluxus o el Arte Povera, entre otras.

3) COMO ENTENDER ESTO DEL ARTE CONTEMPORANEO A LA LUZ DE LA TESIS DE MIRCEA ELIADE, PARTIENDO DE SU ENSAYO <PERMANENCIA DE LO SAGRADO EN EL ARTE CONTEMPORANEO> Y ACABANDO CON UN HELADO DE FAMBRUESA, NARANJA Y LIMÓN.

A raíz de este cambio de paradigma, el camino del artista moderno consiste en la destrucción de las formas tradicionales y la admiración por lo elemental, lo más puro. En relación con esta última tendencia, Eliade sostiene que esta fascinación no consiste en una búsqueda del conocimiento objetivo de la realidad, como sucedía con la pintura de paisajes decimonónica, sino en un deseo de apresar el sentido profundo de su universo plástico. Nos situamos aquí en una valoración de la obra de arte más bien estetico-religiosa que filosófica, lo cual no desacredita puntos de vista más propios de la Historia del arte. Para que nos entendamos, hablamos aquí de artistas ateos: no creen en Dios, no pintan ídolos, tan sólo buscan la espiritualidad en el propio material que trabajan. Se trata de una religión tangible o, en palabras de Eliade, de una religión cósmica, con la que el artista retorna a esa actitud arcaica de revelar lo sagrado en las formas materiales. La tesis de Eliade consiste en que el arte sagrado en el siglo XX ya no es religioso, ya que está creado en las esferas profanas de lo artistico, esto es, el arte abstracto.
Con ello, la obra de Rothko es ejemplar para ilustrar esta idea. Rothko disuelve la figuración de sus imagenes, en un intento de reencontrar una estructura primera, arcaica y esencial. Ya no le sirven las figuras humanas, y necesita recurrir a la abstracción para seleccionar las texturas e imagenes que la figuración ya no puede ofrecerle. Lo jodido es que este proceso de renuncia a la figuración comienza a inicios de los 40, lo cual significa que, crónologicamente hablando, el punto 2 no nos sirve de mucho pero... ¡Que más da! ¡La cronología no entiende de contemplación! ¡Hablamos aquí de como a través de la reflexión espiritual podemos decifrar una cosmogonía que un artista despliega a través de un medio profano! Y si no es así, siempre nos quedará ese clàsico, la interpretación del helado de frambuesa, naranja y limón, combinación poco apetecible pero, eso sí, combinación cósmica.


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